這還得通過訓練來實現，我一貫主張通過訓練來融入自然。正如前麵所說，如果藝術是抽象化的大自然，那麼在研究藝術前先要認識自然。現在問題就在於在表演方麵，藝術與虛假藝術兩者之間的界限模糊不清；不過一旦認清了，就會發現兩者之間有著天壤之別。
藝術的根本是表裏如一、樸實無華。虛假藝術通常至少要模仿其中一個，但多數情況下做不到。訓練的外在影響就是在表演中節省了大量神經力量，但要想使它發揮最大功效，唯一的途徑就是真心實意地追求真實的藝術表現。
關於表演就談這麼多。這是一項了不起的研究，比其它藝術形式更追求健康的效果，因為它涉及人的全身。可悲的是現狀是如此的病態、不健康。上麵討論的不但適用於戲劇表演，同樣也適用於演唱，尤其是舞台演唱，還適用於歌劇，不過在唱歌時更應多加小心。歌唱者根本意識不到唱高音時保持放鬆的狀態是多麼重要。身體有了一定的放鬆後再唱高音就能意識到額外的緊張了；然後試著從容地唱出高音；接著自然與非自然的歌唱方法的區別就顯而易見了 --- 不僅唱高音是這樣，唱任何音都一樣。這裏以高音為例，是因為高音典型。大多數高音歌唱家都擔心音太高唱不上去。她們的恐懼本身就是一種緊張。為此歌唱者必須學會如何輕鬆地唱出高音。身體獲得了自由才能擺脫束縛、自由歌唱。身體是一個統一的整體，身體自由了，歌才能唱得好聽。在自由的前提下，曲調的優美和歌詞的深層含義被完美地演繹出來。不過現狀與之恰好相反。
如果自由對於提高唱功如此重要，也確實重要，那它在歌劇中更是必不可少了。有了自由，演員的表演就不會那麼木訥；有了自由，音樂能使表演發揮得淋漓盡致。在樂曲和演奏都無可挑剔的前提下，演員在表達情感時似乎與音樂已合二為一了，即使是在演奏間奏曲時演員也能使觀眾得到視覺上的享受，更別說聽覺上的享受了。
我也明白這是一個理想的標準，很難達到，但並非絕無可能。目前的演出狀況大多是演員的表演慘不忍睹，觀眾在欣賞歌劇時竟然隻想聽，不想看。若是朝著這個理想的標準努力，至少能使目前的狀況有所改觀。
我們已經研究過身體被當作樂器時的藝術表現是什麼樣的。即使身體是去彈奏某種樂器，這樣的訓練也同等重要。
一位鋼琴家為了練習十指每天要彈上幾個小時，每彈一下都能感受到音樂的靈魂。但他從未意識到盡管浪費了這麼多體力和精力，從腦到手指的途徑仍然沒有通暢；倘若想真正地用腦去彈琴，通暢的途徑是必不可少的。
彈鋼琴時身體隨著音樂的節奏輕輕晃動，與緊張、僵硬的動作形成鮮明的對比。從腦到手指的途徑是否通暢，從彈奏的動作上就能看出來。而胳膊和手經過訓練，其表現與以前相比大有改觀。
拉小提琴時同樣要保持肌體平衡；事實上，演奏其它樂器亦是如此，因為身體的自由、放鬆一直是演奏的必備條件。
畫畫時身體越放鬆，意識就越能更好地指揮身體。有多少次腦海中已清晰地浮現出直線、曲線或是兩者的結合，而手卻畫不出來？這並不是說隻要身體放鬆意識就能完全控製身體，而是說放鬆的身體像個稱職的仆人，可以在更短的時間內更直接地為意識服務，更好地表達出心中所想。
無論是何種形式的藝術，樸實無華的特色在最高層次的藝術中得到了最充分的展示。
把各種藝術形式一一羅列出來毫無意義。放鬆的身體可以對接到的指令立即回應、迅速執行、把意圖準確無誤地傳達出去。保持身體放鬆的必要性無須贅述。