浪漫主義芭蕾的輝煌成就
生於斯德哥爾摩的瑪麗·塔利奧妮是意大利傑出的芭蕾舞女演員。她自幼隨父菲利普·塔利奧尼學習舞蹈。塔利奧妮是個瘦身材、圓肩膀、麵孔不漂亮的姑娘，其父對她進行嚴格幾乎近於殘酷的芭蕾舞訓練，企望她能掌握高超的技巧，以此來彌補外形上的先天不足。為了提高她的表現力，其父還專門加強了她彈跳、升躍技巧的訓練，揚長避短，為她找到了一種恬靜、優雅、輕盈的浪漫主義抒情風格，使她的舞蹈具有與眾不同的魅力。1822年，18歲的塔利奧妮在維也納首次登台演出，便一鳴驚人。
1832年，塔利奧妮主演了《仙女》，引起極大轟動。舞台上，仙女——塔利奧妮身穿一件潔白的重疊數層的薄紗裙，裸露著脖子和雙臂出現在人們麵前。
她的脖頸上係著一條美麗的項鏈，背上裝飾著輕巧的小翅膀。由於當時已采用了瓦斯燈照明，藍眼睛、黑彎眉、紅嘴唇的塔利奧妮顯得那樣光彩奪目。觀眾頃刻間便被這新奇的服飾和化妝吸引住了。演出時，塔利奧妮先穿著軟底鞋表演，後來即改用足尖舞蹈，她那輕飄的衣裙，模仿飛翔的舞姿，猶如上帝派遣的天使一般美妙！觀眾如癡如醉地沉浸在奇特的幻想世界中，全然忘記了台上隻是一位女演員在舞蹈。
塔利奧妮在演出《仙女》時，首創了剪短了的鍾形透明薄紗舞裙，有利於女演員舞蹈技巧的充分發揮，她的足尖舞蹈技巧的嫻熟運用，更是大大豐富了芭蕾女演員的舞蹈語彙，從而開創了浪漫主義的表演新風格。當時，輿論界給予了塔利奧妮主演的《仙女》以極高的讚譽。偉大的文豪維克多·雨果向塔利奧妮贈書題詞：“獻給你那神奇的足，獻給你那美妙的翼！”自《仙女》一劇始，塔利奧妮形成了她輕盈飄逸的跳躍、詩意典雅的造型等藝術特點。《仙女》是浪漫主義芭蕾舞劇的開端作品，顯示了舞劇創作題材的重大轉變，提供了“現實與非現實、人間與非人間”兩方麵同時並存於一部舞劇中的結構形式，同時還大量使用了以西班牙、波蘭、意大利民間舞蹈步伐為素材的地麵舞蹈語彙，從而創造了符合劇情要求真實而熱烈的氛圍。它的成功演出，標誌著芭蕾已進入到其曆史上的黃金時代——浪漫主義時期。《仙女》由塔利奧妮首演後的第四年，即1836年，丹麥芭蕾大師布農維爾根據另一位作曲家的音樂，也編導了同名舞劇《仙女》。
在這個版本中，既吸收、借鑒了塔利奧妮演出中的優點，又加重了男子舞蹈中的分量。後來這個版本在世界各地廣泛流傳，成為了浪漫芭蕾的經典傳世之作。
18世紀中葉，芭蕾傳入美國。到19世紀，美國出現了好幾位卓有成就的芭蕾演員。奧古斯特·梅伍德1837年在她的故鄉費城首次演出，一鳴驚人；兩年後，她成為舞蹈聖地巴黎歌劇院第一位美國芭蕾女主角，那時她才15歲。後來她擔任巴黎歌劇院首席芭蕾女主角，享譽二十餘年。瑪麗·安·李於1839年初次登台，以後演了一連串芭蕾舞劇，《吉賽爾》就是由她介紹到美國的。她的出色表演使她享有“美國芭蕾舞娘”的聲譽。喬治·史密斯是美國造就的第一位男芭蕾主角，他在《吉賽爾》《多瑙河的女孩》中的出色表演，使他贏得了當時“美國最傑出的芭蕾男明星”的崇高聲望。
從19世紀下半葉開始，西歐的浪漫主義芭蕾走向衰落，歐洲芭蕾的中心逐漸移到俄國。從40年代起，外國舞蹈家們頻繁訪俄，塔利奧妮父女、佩羅、聖—列翁等人的表演和編導活動，特別是布農維爾的學生約翰遜和布拉西斯的教學活動，向俄羅斯舞蹈界傳授了法、意兩大芭蕾派的精華，從而逐漸形成了新的芭蕾學派——俄羅斯學派。俄羅斯的芭蕾舞劇《堂吉訶德》《舞姬》《天鵝湖》《睡美人》《胡桃夾子》等一大批優秀劇目，將浪漫主義芭蕾推向了新的高峰。
華爾茲
華爾茲又名“圓舞曲”，這是因為華爾茲在整個舞蹈過程中，大部分都在不停地旋轉。華爾茲來源於歐洲，是歐洲的一種土風舞，到了18世紀，華爾茲成為極流行的社交舞廳舞。華爾茲無論舞步與樂曲，都和其他舞步有顯著的不同之處，主要區別是華爾茲是三拍子的舞步，所以有人稱之為快三步舞或慢三步。華爾茲舞曲輕快，明朗而動人，舞步也是如此，令人有飄飄欲仙的感覺，比其他舞步更有詩意，更溫文爾雅。這也是華爾茲能流行百年而成為標準的主要原因。
華爾茲的產生和流行
“華爾茲”一詞，是在18世紀末期出現的。而三拍子“蓬嚓嚓”節奏的圓舞曲則很早之前就流行於歐洲，特別是在德國巴伐利亞和奧地利維也納一帶的農民中；至於華爾茲類型的舞曲，則早在17世紀就演奏於哈普斯堡的皇家舞會上。
盡管華爾茲這種自娛舞蹈形式早已流行於農村，但它能夠成為城市民眾的舞蹈時尚，卻是有其社會變革和藝術趣味等多方麵原因的。18世紀末的法國大革命及其在歐洲各國的激烈影響，工業革命的興起以及工人階級的大規模出現等，使人們對自娛性舞蹈風格的要求發生了巨大的改變。曾一度廣為流行的小步舞和加伏特舞因其刻板、拘謹的風格而被淘汰。身體輕鬆自然、風度飄逸灑脫的華爾茲一時間成了人們更能自得其樂的方式。
華爾茲舞風格純樸明朗，舞曲速度較慢，它與傳統宮廷舞的最大區別在於不講究構圖和隊形，男女舞伴貼近，互相擁抱，翩翩起舞。華爾茲的迅速流行自然受到出於種種目的的反對和阻礙。除了教會說它因男女擁抱、動作旋轉過快而不道德、不文明，甚至粗俗邪惡、不堪入目外，還有原來靠教授小步舞和其他宮廷舞為生的人們視其為眼中釘、肉中刺。華爾茲的簡單易學和自由舒暢的特點，吸引了廣大的舞者，常常隻要在一旁觀看一會兒就能學會。這種舞無需像小步舞那樣，非掌握大量複雜的花樣才能登場。在保守的英國，華爾茲甚至被不少人恨之入骨，懼之如虎。當時報界曾謾罵：“如今，老年貴婦們一陣風似的繞著房間翩翩起舞，而身披輕紗的女兒們卻在放浪的華爾茲樂聲中跳躍回旋；年老的排成長隊，如潮似湧；年輕的無拘無束，四肢放鬆；她們跟著丈夫們快步如飛，不留下一點兒新娘之夜的神秘。我們痛心地看到，在上星期一的英國宮廷舞會上，那種叫作華爾茲的法國下流舞被第一次介紹進來了……我們相信，它不再為任何有道德的英國社會階層所容忍。凡是夜裏出去過的人，都不能不懷著不安的心情看到，我們的姐妹和妻子被陌生人抓住，遭到任意擁抱，圍著一個小小的房間慢跑的情景。”然而，這種謾罵卻使得歐洲人更加熱衷於華爾茲。法國革命後的資產階級幾乎立即全麵地接受了華爾茲。據統計，僅在18世紀末的巴黎，就一下子湧現出了七百多家舞廳。新型階層的代表人物紛紛出來為華爾茲喝彩，歌德曾經這樣表白：“我的動作從未如此的輕鬆，我已不再是個凡夫俗子。將那可愛的人兒摟在懷中，然後同她一道四處飛舞似的旋風，結果是我們身邊的一切都變得無影無蹤。”
享受美妙的華爾茲
華爾茲舞蹈的音樂舒緩而悠揚、優美而浪漫。舞蹈的過程是美妙的，任何一個動作被忽略了，過程都不是完美的。在舞蹈中處理好轉、擺、蕩的關係是完成良好動作的關鍵。隻有這樣的擺蕩才會給人一種舒展、豪放的感覺。擺蕩是伴隨著身體縱軸方向轉動的同時而進行的。擺蕩的動作與轉身動作不能分開，兩者之間並存的是一種引擎與輪胎的關係，沒有轉身動作，擺蕩的動作將顯得僵硬而不平衡，擺蕩的完成表象，要借著身轉動作經過身體重心以及腿部、臀部的運動，還有肩膀與手臂的擺轉來達成運動的技巧，來完成輕盈且優雅而具有動力的形態舞姿。
舞者的思考邏輯會以為上身不動就是好的現象，但肢體是自由的，舞伴之間的配合與協調更是不能受到束縛，身轉動作能使得肢體肌肉產生鬆弛的作用，所以擺蕩之前必須做好身轉動作的準備工作：雙膝鬆屈，自腿部以上將身體稍向前撐，雙肩放鬆平放，背腰稍微撐緊，身體重力置於雙掌。舞步裏所指的轉度，指的是雙足之間的轉度，並非指身體的轉度，尤其是女士，幾乎隻有前進與後退的動作，轉度則由男士全部來完成。
維也納華爾茲與波士頓華爾茲
施特勞斯父子的圓舞曲使華爾茲光華四射，很快，華爾茲便跨越國界，成為走紅世界的“舞廳之後”。施特勞斯父子樹立的華爾茲又稱為“維也納華爾茲”，後來美國人又推出了“波士頓華爾茲”，其與“維也納華爾茲”不同的地方在於，它的動作較慢，舞步長而滑動，講究的不是連續旋轉而是波浪起伏。這樣，就產生了華爾茲的兩種變體，即動作迅速，像旋風般旋轉的維也納華爾茲（快三），和滑動流暢，身體傾斜優雅的波士頓華爾茲（慢三）。
世界舞台的藝術瑰寶——西班牙弗拉門戈
弗拉門戈是西班牙的一種綜合性藝術，它融舞蹈、歌唱、器樂於一體，過去流行在西班牙南部；現在已擴展到西班牙的廣大地區，並正在成為整個西班牙的代表性藝術之一。在弗拉門戈發展的長河中，湧現出許多大師級的人物。他們憑著靈感，適應他們所處的時代，不斷給弗拉門戈添加新的元素。創新和變革使這一曆史悠久的藝術不斷獲得新的生命，煥發新的光彩，在保持其傳統藝術精髓的同時更具觀賞性。
弗拉門戈藝術的起源
西班牙南部的安達盧西亞長期以來是各種音樂文化的大熔爐，早年希臘、迦太基、羅馬、拜占庭的居民帶來了地中海邊遠地區的音樂，後來，西哥特人又帶來了他們的文化。從8世紀起，阿拉伯人在此建立了西哈裏發帝國，統治延續了七百多年。從15世紀中期起，吉卜賽人又大量移居此地。因此，在安達盧西亞既有阿拉伯文化的巨大影響，又有吉卜賽歌舞藝術的強大魅力，使這個地區變成了歐洲最具有異國風味、具有東方色彩的地方。弗拉門戈藝術正是在這樣的背景下產生的。
14、15世紀，吉卜賽流浪者把東方的印度踢踏舞中神秘感傷的風情融合在自己的歌舞中，並將這種豪放潑辣的歌舞帶到了西班牙。從19世紀起，吉卜賽人開始在咖啡館裏進行演出，這種藝術形式開始逐漸發展。
在弗拉門戈的演出中，我們常看見歌手緊皺眉頭，麵部表情憂鬱、憤懣，歌聲嘶啞，這是其他演出中很少見到的，人們感到奇怪，但如果了解了弗拉門戈產生的背景，也就不難理解了。弗拉門戈藝術反映了吉卜賽人貧窮、悲慘的命運和處境，並通過詩歌、音樂和舞蹈來表現它。15世紀西班牙統一後，君主及天主教會強迫猶太人、阿拉伯人改宗，強迫吉卜賽人改變生活方式，吉卜賽人為了逃避迫害，被迫離家出走，流離失所，逃往偏僻的山區，他們過著苦難的生活，於是吉卜賽人用他們的歌喉、舞步、樂器訴說了這一切。
濃烈奔放的弗拉門戈舞
富有西方情調的西班牙舞享譽世界。它開始是一種為民所創又為民所享的民間藝術，直到18世紀才成為劇場藝術。西班牙地區性民間舞蹈總數之多令人驚歎不已，其中最突出的就是弗拉門戈舞。弗拉門戈舞與鬥牛並稱為西班牙兩大國粹。
作為西班牙的“國舞”，弗拉門戈舞以展現民族性格的“濃烈奔放”而聞名於世。身穿多層百褶長裙的女舞者隨著節奏挺胸、展臂、扭腰、搖胯，除了裹在大紅舞裙裏大幅度的肢體語言以外，弗拉門戈舞劇必然少不了弗拉門戈風格的古典吉他伴奏，以及歡快跳躍的響板敲擊聲與“招牌”的踢踏舞步聲。
弗拉門戈舞開始時舞步緩慢，男女舞伴用頭和手臂舞出各種優美而傲慢的姿勢。漸漸地舞步加快，樂師以嫻熟的指法彈撥出急促多變的節奏，氣勢如狂風驟雨，緊緊追蹤著加速的舞步，突然，吉他手在吉他上彈下最後一響，舞蹈者亮出優美的造型，一切都戛然而止，觀眾常常被這突如其來的結局驚住，接著便情不自禁地歡呼喝彩。
弗拉門戈是很獨特的舞蹈藝術，它神奇地融合了矛盾的兩麵——喜悅與哀傷，冷漠與激昂，優雅與奔放；它不加掩飾地直抒胸臆，時而熱烈時而靜寂；它激烈的節奏、動感的音樂時刻挑逗著觀眾，但又總是能夠保持一定距離，像雲中月、水中花般神秘莫測，美麗而蒼涼。
富有情趣的弗拉門戈音樂
弗拉門戈的古典歌曲和舞蹈節目約有六十多種，有單人表演的，也有集體表演的，有些是有伴奏的，有些是無伴奏的。受阿拉伯和吉卜賽音樂的影響，曲調具有東方風韻，頗富情趣。整個曲子以不和諧音為主，頻繁變調，常令初聽者覺得晦澀難懂。但當地人卻能深領其中的真摯情感。
弗拉門戈音樂按其內容大致可分為三類，其一是深沉的歌，又稱大歌，這是最早的弗拉門戈音樂，也是最難唱的一種，歌唱時節奏自由，音色喑啞，有時近於喊叫，微分音、裝飾音很多，東方色彩最濃。另一類是輕快的歌，它的情緒歡樂愉快，曲調流暢，節奏鮮明，比較輕快，並吸收了一些拉丁美洲音樂的因素。
還有一類是中庸的歌，它介於這兩種歌曲之間，不很深沉但同樣令人感動，配合的音樂往往帶有東方的色彩，以及輕鬆的，描寫愛情、鄉村生活和歡樂的題材。
世界藝術舞台上的一抹紅色
弗拉門戈舞演員們大多很小就開始進入舞蹈學校學習。18歲時盡管技巧已經嫻熟，但登台演出時往往不很受歡迎，因為他們太年輕，無法體驗和表現多種複雜的感情，所以，真正成名的弗拉門戈舞表演家，特別是女演員，都是在30歲以後。這時，她們不僅技藝爐火純青，而且個人體驗也很豐富，能夠淋漓盡致地表現西班牙女郎的熱情、美麗和野性。
弗拉門戈舞的獨特魅力不僅吸引了獨具慧眼的舞蹈活動組織家，而且還觸發過伊莎多拉·鄧肯這樣的現代舞之母的創作靈感。以熱情奔放著稱的弗拉門戈藝術是世界藝術舞台上最耀眼的一抹紅色。幾十年來，弗拉門戈藝術家到世界各地演出，將弗拉門戈舞的火種在世界各地點燃。這火焰經久不息地撩撥著人們的心弦，讓人不能忘懷。
早期電影藝術
電影誕生於19世紀末，它是現代科學技術的產物，是人類文明史上的一次革命。電影誕生初期還隻是一種技術的展現，後來才開始形成一門藝術。早期的電影由於當時物質媒介的視聽記錄功能不完備，所以隻有黑白默片。盡管如此，從事電影生產的藝術家們，總是在實踐中千方百計地探索電影藝術的奧妙，並在不斷綜合運用其他各門藝術創作規律的過程中，逐步豐富了電影的形態、語言、手段和技巧，使之成為20世紀最具影響的一種大眾化藝術。
早期的電影
法國是最早發明電影的國家之一。裏昂照相器材製造商盧米埃爾兄弟兩人改造了愛迪生早期的電影機，於1894年製成了一種既可用於放映，又可用於拍片和衝洗底片的活動電影機。他們用這種手握電影機拍攝了一些日常生活情景的短片，如《工廠的大門》《嬰兒的午餐》《火車到站》等，其中最著名的是《火車到站》。70年後，法國電影導演、法國新浪潮代表人物之一的戈達爾拍攝的《卡賓槍手》中曾對《火車到站》做了幽默的模仿。
1895年12月28日，在巴黎大咖啡館，盧米埃爾兄弟第一次向公眾展示了他們拍攝的影片。這一天，被公認為是電影誕生的日子。但因活動電影的放映時間隻有兩三分鍾，再加上僅僅是記錄一些生活情景，觀眾的新奇感難以持久，致使電影的存在和發展產生了危機。這在電影史上被稱為第一次危機。
要想吸引觀眾，擺脫這一危機，關鍵是要把電影從單純的記錄工具引向戲劇的道路，也就是說，電影要用戲劇的藝術形式來向觀眾講敘故事。法國電影先驅梅裏埃在這方麵作出了重要的貢獻。
梅裏埃原本是巴黎一位優秀的魔術師。1896年，他從英國搞到了一台攝影機，又從柯達公司購買了將近3萬法郎的膠片，開始正式製作電影。在這一年，他製作了大約80部影片，但幾乎全都是對當時已有作品的模仿。不過有一次，當他正在放映從巴黎歌劇院廣場拍攝來的影片時，發現畫麵上的一輛馬車在行進中突然變成了靈車。經過查找原因，他發現在拍攝這段場景時，因為機械故障，膠片曾經有過一段時間的停頓。而就在這短短的停頓期間，馬車從鏡頭前駛開了，跟在後麵的靈車取而代之。“停機拍攝”的畫麵特技，就因為這麼一樁小小的意外，就此誕生了。這一發現，是他對電影藝術發展的一大貢獻。攝影場上，梅裏埃采用了人工布景，從此，電影開始從古老的戲劇藝術那裏汲取無窮的活力，而且這一過程再未停止。梅裏埃繪製的布景極為出色，房屋、山川和河流，用水彩調和出均勻的光影效果，真偽難辨。為了配合劇情的需要，他還在攝影場裏安置了大量的吊橋和活動門窗，並使用鐵索懸掛演員，模擬仙人在空中飛行的場麵。