難道這次是埃文-貝爾錯了？艾伯納-阿爾弗雷德等人都麵麵相覷。不過埃文-貝爾似乎沒有停下來的打算，依舊讓音樂播放著。
海莉-威廉姆斯演繹的部分其實就兩句歌詞，不過前後要演唱三遍，在歌曲最後的部分還有和聲。所以重新開始之後，她很快就演繹完畢了。但意外的是，海莉-威廉姆斯並沒有立刻對埃文-貝爾說“我早就告訴過你了”，相反她站在原地，右手支撐在話筒上，反而深思起來。看來，海莉-威廉姆斯也察覺到細微的不同了。
很多人無法理解一首歌為什麼要在錄音室裏折騰那麼久，也無法理解為什麼林肯公園的麥克-信田為了寫一首歌居然會編寫了四五十個版本，因為音樂細節上的差距其實並不是那麼明顯的。但對於專業人士來說，說誇張一點，一個休止符的差別都是可以改變整首曲子的。
舉一個簡單的例子來說，“生命萬歲（Viva. La. Vida）”這首歌，如果不是采用交響樂伴奏，而是用吉他或者鋼琴，將整個曲風變得清風細雨，也許佳作依舊是佳作，但就不是經典了。同樣，想象一下“生命萬歲”的節奏加快一拍，也許在演唱會上表演十分合適，但是在錄音室裏就會顯得太趕，太過急躁，曲風裏的磅礴氣勢就會大打折扣；如果放慢一拍，那麼歌曲就會變得溫柔乃至拖遝，曲子的風格又會有變化了。這就是編曲的魅力，也是錄音室的魅力。
所以，埃文-貝爾對“飛機”調整了半拍，但是引起的反響卻十分明顯。
忽的，埃文-貝爾眼睛就亮了起來，“尾音！”同時海莉-威廉姆斯也意識到了，雖然她沒有說出口，但從她那亮晶晶的眼神就可以看出來，她和埃文-貝爾是一個想法，“再來一次。”海莉-威廉姆斯立刻就說到。
埃文-貝爾又將節奏重新調回了原版，然後海莉-威廉姆斯再次開始錄製，“讓我們假裝那架飛機在夜空中自由地馳騁時，就像滑過的流星一般，我現在就可以許下一個願望”，這一次，海莉-威廉姆斯有意識地在每一個句尾的台詞後麵稍微拖長了半拍的尾音，呈現出來的效果立刻就鮮明起來。
埃文-貝爾隻聽了第一句，隨後就在音控台上忙碌了起來，他腳一點地，老板椅就移動到了電子節拍器的前麵，埃文-貝爾開始在配樂之中加入用擊掌製造出來的節奏，用這個節奏的強弱變化來突出海莉-威廉姆斯演唱中的輕重音。
艾伯納-阿爾弗雷德等人的眼睛隨即也都明白了過來，埃文-貝爾沒有錯！果然之前的錄音效果還是有進步空間的。
其實“飛機”這首歌雖然整體節奏是中快板，而且裏麵鼓點的聲音也十分熱血，但隱藏在鼓點背後的主樂器卻是鋼琴，再搭配歌詞，就可以感受到在歌曲之中緩緩流淌的落寞。這種落寞不是單純的自哀自憐，更多是再次崛起之前的壓抑和醒悟，這是一種很錯雜的情感。如果按照原本的演繹方式，這種情感就會被模式化，凸顯不出歌曲的深意。
埃文-貝爾想要通過節奏的控製來呈現出隱藏在旋律之下的內涵，但卻失敗了；但是如果依靠海莉-威廉姆斯在演唱時的控製，整體感覺立刻就鮮明了起來。而埃文-貝爾加入擊掌效果，通過強弱、快慢的控製，將輕重音凸顯出來，效果就完全立體了。
海莉-威廉姆斯作為演唱者，顯然是體悟到了這種細微的變化，原本的堅持在嚐試過後，立刻就翻湧而上。隨後海莉-威廉姆斯在演唱的時候，嚐試著將情緒裏的失落融入進去，不過要麼太刻意要麼太微弱，調整了兩次也沒有找到感覺。但埃文-貝爾卻對海莉-威廉姆斯的嚐試豎起了大拇指，顯然這是一個正確的發展方向。
前前後後錄製了一個小時，依舊一點成效都沒有，但顯然錄音室裏的氣氛卻十分輕快。埃文-貝爾臉上終於露出了一絲笑容，海莉-威廉姆斯對著話筒勇敢地承認了自己剛才的武斷，“你的判斷是正確的，現在顯然感覺好多了。”
埃文-貝爾也沒有居功的打算，“你的嚐試完全正確，讓我們再試試看吧。”
和真正懂行的專業人士就是有這種好處，即使雙方鬧得再僵，那也是因為專業知識，而一旦問題得到了解決，那種成就感就會成為雙方之間最美妙的默契。