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B-1-2
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B-1-5
B-1-1 圖案取自青花瓷盆，為瓷盆的側麵半周。四個梨形圖案非常醒目，深色背景上陰刻的花朵頗具印度風貌。垂飾花紋亦是如此，但其末端卷曲處理又很有中國特色。
B-1-2 取自青花瓷盤。我們同樣可在瓷盤邊緣花卉圖案和瓷盤外沿形狀上，看出波斯風格的影響。
B-1-3 取自青花瓷瓶。花莖圍繞瓷瓶綿延不斷，花朵點綴左右，參差交錯。該紋樣仍舊秉承三角構圖法則。
B-1-4 青花瓷瓶邊飾。
B-1-5 取自青花瓷瓶。這是一個對稱布局的精美樣例，同時它也頗有趣味，因為顯示了在刻畫花卉時陰影與立體表現手法的局限——中國人在這條道路上走到了極致，卻從未有所突破。
青花的藍與白
看到這樣的藍色花紋，你大概會不加思索脫口而出：青花瓷。
的確，人們對青花瓷再熟悉不過。隻是今天的青花瓷早已不是時尚的代表，甚至年輕人的印象中，它是老舊過時甚至土氣的象征。
倒是前些年周傑倫唱了一首《青花瓷》，一時間又把青花瓷拉回到時尚的前沿。
不過要知道，青花瓷引領全球時尚風潮長達兩三百年，引發的狂熱，遠非現代時尚所能比擬。17世紀法國巴黎已是歐洲時尚中心，這個中心的主角無疑是法國國王路易十四——著名的太陽王，潮流的引領者，凡爾賽宮就是由他下令建造。除了凡爾賽宮，他還為自己心愛的女人曼特農夫人建造了另一座宮殿：特裏亞農宮。這座宮殿的外壁，貼滿了藍色和白色的牆磚，遠遠看去，完全就是一件巨大的青花瓷。各國的國王、貴族也不甘示弱，不斷擴大自己的收藏版圖。就是稍稍富裕些的家庭，也要專門騰出一間屋子來擺放和展示瓷器。
青花瓷讓整個歐洲如癡如狂，各國開始傾力研發、仿製。但在18世紀之前，瓷器的秘密一直未能揭開，歐洲的土地上，沒有燒造出一件瓷器，更不要說青花。但荷蘭人取巧，用陶山寨青花瓷，遠遠看去難辨真假，大獲成功，這就是至今仍然享譽歐洲的代爾夫特藍陶。但事實上它根本不是瓷器。其他地方的情況也差不多。即使在18世紀之後，歐洲各國陸續掌握燒製瓷器的技術，多數也還是以模仿青花瓷為起點。
青花瓷之所以大受歡迎，首先當然是因為它的美：潔白的底色上，濃豔感人的藍色花紋。最早出口到歐洲的青花瓷紋樣都來自於古老的東方，但並非僅僅是中國，而是跨越從波斯到中國的廣大土地。這些紋樣華美神秘又並非與西方格格不入，事實上，一些紋樣追溯起來，甚至源於西方。所以從一開始，青花就具備從西方到東方都廣泛接受的種種特征，讓全世界都沒有抵抗的能力。並且很快，它還會為不同的地域量身定做，以期符合最挑剔的品味。
這種征服世界的美還具有恒久的品質，它不但異常堅固（人們甚至用它的碎片來當武器，比如弓箭的箭頭），而且花紋和顏色完全不受外界的幹擾，曆經千年也絕不褪色，這是幾乎所有藝術品夢寐以求卻難以實現的。
作為用具，除了不小心摔在堅硬的石頭上會導致破碎，它幾乎沒有什麼缺點：重量適中，極為耐用。如果在使用的時候小心注意（昂貴的青花瓷如何不小心？），數十年的使用它仍然光亮如新。作為餐具和茶具，它還極易清洗。對比一下當時歐洲人通常使用的器皿：木器或是陶。你能想見這一品質有多麼可貴。甚至昂貴如銀器，也難以在這個最普通最實用的比較項上占據優勢。更不用說，青花瓷還曾一度價比黃金。於是從最奢侈的品格到最日常的使用，青花瓷都沒有遇到對手。
它不但是人類文明史上最珍貴的藝術品，又是最頂尖的黑科技，它還堅固異常經久耐用，直到今天，都是人類最廣泛使用的材料。不能不說，青花瓷的誕生是人類文明史的一個不小的奇跡。
今天的考古發現認為，青花在唐代就已出現，但實際上唐代的青花還算不上真正的瓷，效果上和我們今天所見也差異巨大，以至於即使你在博物館看到，可能也完全意識不到它是青花。所以現在談論青花瓷的曆史，很少言及唐代或宋代。青花瓷真正的起點，在元代。隻不過在元代，青花瓷於本國不受重視，甚至一度在曆史上銷聲匿跡。但經過明清數百年的發展，青花瓷不但大受皇帝的喜愛，民間也廣受歡迎，後來更是風靡世界。在漫長的曆史中，青花瓷自身也在不斷變化 ，產生了眾多優美迷人的風格，儼然成為一個大家族。
清 雍正 青花花鳥紋如意耳扁瓶
這本《中國紋樣》之中，純粹青花的紋樣多達十六幅，青花釉裏紅有四幅，和青花有關的紋樣包括鬥彩青花五彩等等，至少還有五幅。在瓷器紋樣中的比例超過了三成。有心的讀者，很容易一一把它們找到。
這些紋樣，跨越了從明朝初年，到清代中晚期超過四百年的曆史，包含了眾多的風格，也展現出多種不同的工藝手法。
比如圖B-4-1上的叫反青花（參看《藍地兒白花花》），畫麵的部分是空白而空白的部分填滿了青花。而要填滿這些空白的地方，需要一種叫“分水”的特殊工藝，不是簡單的平塗。圖B-3-1上，畫麵中有許多藍點，這是清代官窯為了模仿明代風格產生的一種特殊工藝，叫“點工”（參看《片繡點重茵》）。不過青花能夠表現出來的風格，遠遠比書中展現的要多得多。
青花的製作工藝，今天看來並不特別複雜。簡單而言有四個步驟。第一步是成形，就是把泥做成想要的樣子：一塊盤子，一個碗，或是一個花瓶，做好的樣子，叫坯，坯裏含有大量的水，要等它幹透，才能進行第二步，畫青花。畫青花就是用毛筆蘸調好的青花料直接在坯的表麵繪畫。青花料本身不是藍色而是灰黑色，像水墨。香港大導演李翰祥拍過一部電影叫《風月奇譚》，講了三個風月場上的故事，其中之一就發生在景德鎮的一個製瓷作坊，期間數幕畫青花的場景。但畫的時候是藍色，一看就是沒見過青花料的。畫好之後就是第三步，上釉。上釉就是用釉把坯的表麵全部蓋住，因為釉是泥漿狀的，所以這時候，剛畫好的畫麵也就看不見了。青花被稱為釉下彩，也是這個原因。這些步驟完成之後，就要進入最後的階段，燒窯。所有的努力，都要經過火的洗禮才能知道是功虧一簣還是大獲成功。
如果燒得好，灰黑的青花料成了光彩奪目的藍色花紋，而泥漿狀的釉成了透明堅固的釉層，不再會遮住青花的光彩還能穩固地保護。而最初的泥坯也成了潔白堅硬的瓷器，整個過程完全就是一次鳳凰涅槃。
青花瓷雖然如此著名，不過誕生之初可能並不叫這個名字，明初成書的《格古要論》裏，還稱之為“青色花”；更早的元代，則完全沒有記載，不知道當時會是怎樣的稱呼。不過青花翻譯到歐洲，就成了：Blue and White。這個叫法似乎比青花更精確：它最直觀地把青花瓷的特點描述了出來。但青花傳到日本，名字聽起來莫名其妙，叫“染付”。日語中付是花紋，合起來就叫畫花紋，藍色和白色哪裏去了？
明 永樂 青花纏枝花卉圖洗
但就是在中文裏，也常常容易引起歧義。比如瓷器中最古老最悠久的一類，被稱為青瓷。但青瓷的青，一般是指綠色。但《詩經》裏說的“青青子衿”，可能就不是綠色而是藍色。我們更為熟悉的名句“青出於藍”，當然是指藍色，不過這裏的藍卻不是指藍色，而是藍草。
如今，青花瓷早已不複往日的輝煌，但時尚的前沿並沒有把他遺忘，不用說周傑倫唱過《青花瓷》，2018年的維密時裝秀中一組服裝，靈感也是源自青花。事實上，《中國紋樣》出版的時候，青花瓷的風頭就早已不再，但歐文·瓊斯看到中國古代皇帝使用的青花瓷時，仍然是激動不已。
所以，青花之美永遠不會過氣，隻不過，需要我們這一代人的重新挖掘與創造。
B-2-1
B-2-1 取自青花瓷缸。這是一件尊貴的作品，與上文業已提及的作品創作原理是一致的。深色背景上的白色線條，以及花卉與葉瓣的白色勾邊處理柔化了圖案邊界，十分引人注目。
青花的核心技術：分水與水路
康熙時期流行的這種青花纏枝蓮紋（圖B-2-1）和明代的裝飾風格大異其趣，花畫得很大，給纏枝的空間就留得小，纏綿不見而氣勢磅礴。蓮蓬與花瓣形成強烈對比，因為前者留白而後者滿滿。這種裝飾方法得益於當時青花彩繪上一項技術的成熟：分水。分水也叫混水，是用大筆飽蘸事先調好的青花料水，然後以筆尖引導，填滿需要塗色的部分，如圖B-2-1中的花瓣和葉子。這樣的手法，讓塊麵之內的色調更為均勻，但又飽含變化，行內叫“水路”，不是平板板單一的藍色。但在此之前，一塊藍色，需要用毛筆填塗，哪個地方缺了一點，就補一筆，不留空白。所以，前者是用筆引導料水“流”滿塊麵而後者是用筆塗滿。
想象一下孩子用蠟筆塗色，一筆與一筆有重疊，當然就不均勻。不過早期青花用填塗的方法產生的不均勻，倒是另有一種神采，明代青花樹立的高峰，也是拜其所賜。
清 康熙 青花荷蓮紋大盤
分水技法
分水的技法，類似於國畫中的染，但因為材料和技術的限製，沒有水墨那麼大的發揮空間。比如分水很難表達水墨氤氳的效果。如果想要區分色彩的變化，一般需要事先準備好濃淡不同的料水，一筆深一筆淺，居然也能出現豐富的層次，被稱為“青花五彩”，這裏的五彩和國畫中的“墨分五色”是一個意思，不是瓷器中的五彩（參見《繽紛五彩》）。
所以，青花中出現大麵積的藍色，明末以來，多數時候就是使用的這種方法，更為顯著的就是藍地白花（參見《藍地兒白花花》）。
不同時期的青花，風格迥異。種種差異，源於時代的變遷，帝王品味的不同，也往往是因為材料和技術的發展或限製所導致的。
B-3-1
B-3-1 取自青花瓷瓶。同圖B-1-5一樣，這件精美的作品用傳統手法呈現出自然花卉的樣貌；但某些葉瓣的末梢處有些特別處理，可能會被認為具有些許印度或者波斯風格。
片繡點重茵：點工
圖B-3-1這組漂亮的蓮花紋樣表現了蓮花的各種姿態，有正麵，有側麵，有平視，有俯視，簡直就是蓮花紋樣的教科書。匠人們總是有讓畫麵更豐富更多變化的衝動，因為對市場而言，多總比少好。即使是偏愛簡約的雍正皇帝，也完全不排斥豐滿與華麗。其實類似的畫麵，雍正官窯中也並不稀見。
紋樣畫得精致細膩，一筆一畫都是經過事先精確的布置，畫的時候，完全沒有匠師自由發揮的空間。每一個花頭，每一個花瓣，每一片葉子。甚至每一個局部的陰陽向背：由濃而淡，由淡而濃，分毫不差。有意思的是，這種濃淡的變化，並不是由深淺不同的藍色來區分，而完全是依靠“點”，點得密就濃，點得疏就淡。
歐文·瓊斯顯然也敏銳地發現了這一點，他寫道：“顯示了在刻畫花卉時陰影與立體表現手法的局限——中國人在這條道路上走到了極致，卻從未有所突破。”對於中國人來說，這樣的評價似乎頗為刺耳，但事實就是如此，即使是在繪畫當中，也並沒有發展出表現立體的有效方法。
而官窯瓷器上發明的這種方法，成為一種特別的工藝，叫“點工”。
當然，你很容易發現，以點工的方法來表現濃淡深淺陰陽向背，實在是一種笨辦法。即使一片小小葉片的暗部，也常常需要精心的點上數十點，像圖上的完整紋樣，點的數量簡直難以估算。繪畫之中，高手的畫師，往往一筆下來便層次分明。為何瓷器上要用如此笨拙的方法呢？
一方麵，青花瓷上的繪畫受到工藝和材料的限製，一花一葉要做到自然的深淺過渡極為困難，簡直就是不可能完成的任務。而點工雖然笨拙，但易於操作，並不需要特別的技巧。
另一方麵，我猜想，可能與模仿明代青花的效果有關。因為明代早期（永樂、宣德時期）的青花采用一種叫蘇麻離青的青花料，這種青花料會隨機地產生深淺的變化，斑斑點點，一花一葉間，藍色就產生了豐富韻律，又沒有規律可循。這種效果，令後世文人極為著迷，推為青花瓷的最高峰（P185圖）。清代的皇帝也不例外，經常下旨禦窯廠仿燒。
明 永樂 青花纏枝花卉紋折沿盆
可是蘇麻離青在明代中期就已用盡，絕塵數百年，要想達到同樣的效果，須得另辟蹊徑。那種自然產生的斑斑點點，現在就隻能人為地點就。這種做法演化成點工，似乎也是水到渠成順理成章。
當然，它的產生也可能與國畫的技法有關：皴、擦、點、染，但國畫裏的點，山水畫中運用為主，花卉用得不多。而青花上的點工，卻主要是在花卉上。
由此我們看到，為了追求某種獨特的效果，可能導致特殊工藝的產生，而工藝一旦產生，似乎就有了自己的生命，開始脫離原有的方向獨立發展，但這常常變得古怪扭曲不可理解，往往也就失去了生命的活力。清代官窯，工藝上登峰造極，卻常常變得拘謹而呆板。畢恭畢敬，亦步亦趨，了無生氣，這張圖上，恰恰就是最好的例證。
我們欣賞一件作品的時候，並不特別需要了解他背後的工藝。但如果了解一些工藝，欣賞起來，就會更豐富更立體。你下次去博物館，不妨找到一件明代（永樂、宣德時期）一件清代（雍正、乾隆時期）的青花瓷，同樣是有“點”的效果，對比一下，會很有樂趣。
B-4-1
B-4-2
B-4-3
B-4-1 類似的構圖置於深色背景之上。背景上的花與葉形成陰刻的效果，營造出一種寧靜感。
B-4-2 取自彩繪瓷罐。分離式構圖的典範之作，其花卉葉飾的處理非常中國式。
B-4-3 取自銅胎畫琺琅瓶。此頁展示的第二幅邊飾是離散式構圖的另一範例，其圖案排布錯落有致，看上去綿延不斷。第三幅邊飾由回紋飾組成，與中美洲古建築遺跡上回紋的處理方式一致，我們可以從中清晰地辨認出對人麵的描繪。
藍地兒白花花
與常見的青花瓷不同，圖B-4-1這幅紋飾中花卉的部分基本是空白的，而原來空白的地方，全部塗成了藍色。
這種藍其實也是青花，填塗的方法是采用了一種叫分水的技法（參看《青花的核心技術：分水與水路》），用大筆蘸上調好的青花料水，以筆尖引導料水的流動來把塊麵塗滿，這種方法讓平塗的藍色有一種透明的水淋淋的感覺，行話叫水路。幹淨清透的藍色，就叫水路清楚。
但這種有層次有質感的藍色，在紙上畫下來，就成了平板板的顏色——盡管藍色本身也依然漂亮。
所以青花之美，絕不簡單隻是一種顏色，一種在瓷器上使用的塗料。它如同藍色的水墨，飽含豐富的變化。所以康熙時期的青花瓷被稱為“青花五彩”，不是指青花和五彩結合的工藝，而是指青花的層次鮮明，有如“墨分五色”。
這種把主體的畫麵留白而本該空白的地方塗上藍色的裝飾方法，叫藍地白花，也有叫“反青花”，與青花相反，還表達出某種態度。
大麵積平塗的藍色，會給人更為強烈的印象，容易討好人的眼睛。歐文·瓊斯說“給人寧靜的美感”。這聽起來有些矛盾，但其實不然，強烈的視覺效果並不意味著熱烈，隻是更容易引起關注。不過中國文人似乎並不喜歡過分強烈的視覺表達，唐代還有唐三彩的絢爛，宋代之後，就越來越崇尚水墨般的純粹與簡淡。所以藍地白花雖然漂亮，但曆史上並沒有廣泛流行開來，主流的仍是用藍色直接繪畫。
除了審美的趣味，藍地白花的工藝其實比青花更複雜，生產成本也更高，也就更不容易傳播。
藍地白花的白，並不是完全空白。如果毫無細節，沒有葉莖葉脈，就讓人難以辨識。所以仍然是要用線條勾畫。正是這些勾畫的線條，讓我們得以識別這幅圖上所畫的紋樣是蓮花。
和藍地白花相近的，還有一種特殊的工藝手法，叫祭藍留白，最早出現在元代，也是在藍色的背景上空出紋樣的主體，比如魚或龍。
兩者看上去很相似，同樣是藍底白花，但細細觀察，還是很有些不同，因為祭藍的藍看上去很均勻，沒有分水的水路，沒有筆觸，沒有豐富的變化如青花的“墨分五色”。
清 雍正 灑藍地白花纏枝花卉紋盤
這種效果上的差異，源於工藝上的不同。
祭藍留白的做法是把祭藍釉（簡單的理解，就是把青花料溶入了釉裏）均勻地覆蓋素坯的表麵，隻是要把畫麵的部分給空出來，空白的地方，還要罩上一層透明釉。而青花呢，則是用筆蘸青花料水，把畫麵以外的部分“畫”滿，然後事件器物上全部罩上透明釉。你可以簡單地理解為，比如一個碗，祭藍就是把碗浸入藍色的顏料中，而青花，則是用筆蘸上藍色，把碗的表麵塗滿。
所以即使是同樣的材料，如果工藝不同，產生的效果也會有很大的差別。
更有趣的是，《中國紋樣》中還有兩幅藍底的紋樣，卻既不是祭藍釉，也不是反青花。其中一幅（圖B-4-2）是釉上的藍彩，采用的是粉彩的工藝，顏色和質感和青花和藍釉都很不同，另一幅則是銅胎畫琺琅（圖B-4-3，參看《琺琅彩與畫琺琅》）。
所以，陶瓷史的發展，正是匠人們不斷嚐試探索新材料、新工藝、新方法的過程。這個過程，推進了工藝本身的發展，也造就了眾多新的不同的美。
B-5-1
B-5-2
B-5-3
B-5-1 此頁中我們將兩種風格並置在一起；上圖為連續莖蔓構圖，下圖為分離式或離散式構圖。
B-5-2 取自一件非常優雅的彩繪瓷瓶。近等邊三角形布局的紅色花卉圖案遍布瓶身，由一條主莖串聯起來，盤旋圍繞於瓷瓶之上。
B-5-3 取自彩繪瓷瓶。該瓷瓶采用了與前文所述景泰藍器物相同的風格與布局原理。
B-5-4
B-5-5
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B-5-4 取自彩繪瓷瓶。該瓷瓶呈現出一種風格的交融。流動的主莖與花卉的處理頗具波斯與印度風貌，而葉子的形態則與離散式構圖中的葉子如出一轍。
B-5-5 取自彩繪瓷瓶，根據連續莖蔓法則構圖。
B-5-6 取自彩繪瓷瓶，與圖B-5-2類似，隻是處理手法更為大膽。
青花、釉裏紅、青花釉裏紅
如果你按順序翻到圖B-5-1，應該對畫麵感到非常熟悉了，沒錯，又是纏枝蓮紋（參看《纏枝的纏枝蓮》），圖A-15-1、圖B-1-5、圖B-2-1，都是（其他還有不少）。所不同的，纏枝還是青花的纏枝，而蓮已經換成了紅色的蓮。這種紅和藍的配色，書中出現了四幅，雖然不都是纏枝蓮，比如圖B-5-4，是牡丹。但都是同一種工藝。考慮到中國陶瓷紋飾與工藝的豐富與複雜，它在書中所占的比例是驚人的。看得出歐文·瓊斯對這種裝飾的喜愛。
表麵上，隻是把纏枝蓮的花頭由藍色換成了紅色，但千萬不要小看這一點點變換：紙上畫的時候，你隻需要把畫筆洗幹淨，或幹脆換一隻畫筆，蘸上紅色的顏料，問題就解決了。歐文·瓊斯畫的時候，當然就是這麼幹的。可是在瓷器上，它卻是整個古代陶瓷史上最有難度的挑戰。
這種紅色，在瓷器上稱為釉裏紅，學名叫：高溫釉下紅彩。曆史上的紅色，大多數不是高溫燒製的。最常見的都是釉上的紅彩，低溫燒成，比如礬紅（參見《礬紅不凡》）。
而高溫燒製的紅彩就很少見，因為太難。
第一次高溫下偶爾出現一點紅色，還是在宋代的鈞瓷上，古玩行裏有句話叫“鈞瓷帶紅，價值連城”。可見這一點點紅色有多麼困難。從帶紅到有意識地用紅色進行彩繪，期間隔了數百年，到了元代，才有了成功的嚐試，但數量極少，到了明代永樂、宣德時期，才算有比較純熟的把控，但仍是好景不長，永宣之後一兩百年裏，這項技術又大大的退步，難得一見。直到康雍乾三朝，才又一步步爐火純青登峰造極。這期間，超過五百年的跨度。
如果僅僅是紅色，人們並不關心它到底是低溫還是高溫燒製的，好看就行。釉裏紅在曆史上卻是大名鼎鼎，原因就不簡單是和溫度有關。
釉裏紅有幾個特別的地方：首先，這種紅色的畫麵是在釉層的下麵，你是否立即聯想到青花。的確，青花瓷是釉下的藍彩，而整個古代陶瓷史，釉下彩的顏色，嚴格地說，就隻是紅和藍。除了所用的色料不同，青花與釉裏紅的工藝手法幾乎一模一樣。因為在釉層的下麵，人為想要破壞都極其困難，大自然更是無能為力，即使是在海水中浸泡數百年，仍然是光彩依舊，如同新製。
清 康熙 白地描紅團鳳紋盅
釉裏紅的另一個優點，是理想狀態下，能夠呈現出極為濃烈鮮豔的紅色，有厚度，有深度，又富於變化。比起低溫的紅色，當然是要精彩得多。
可是，想要達到“理想狀態”，困難的程度完全超乎人們的想象。之所以如此之難，原因是釉裏紅對“火候”的把握要求極嚴，從溫度到氛圍（燒瓷器的氛圍是指窯內氧氣和一氧化碳的濃度控製）都要精確把控，溫度稍高稍低，要麼發黑要麼就幹脆什麼都沒有，行話叫“燒飛了”。而古時候沒有溫控設備更無法測量氧氣濃度，完全是要憑經驗，要知道窯內是1280度還是1270度，該有多難！
由於極難控製，釉裏紅根本就沒有標準色，越紅的當然越好，像紅寶石一般的豔麗真是可遇不可求；常見一點的是暗紅色，古玩行內說豬肝色；有時候甚至出現綠色，大大出人意料又別有一番風韻。這讓釉裏紅的美顯得無比豐富又難以琢磨。比如這件牡丹番蓮紋梅瓶（P207圖），明明紅色燒得淡了，卻有一種輕柔的美，似乎本來就想要追求這樣的效果。
釉裏紅極難，而它和青花配在一起的時候就更難。因為兩者是在窯裏一次性高溫燒成，但偏偏兩者要達到理想狀態的條件並不一致。理論上要想青花燒得漂亮，釉裏紅就要打點折扣，釉裏紅要燒得好，青花就要做些讓步。實際上，單單是燒出好看的紅色，已經是極為困難，更不要說兩者都好。
清 青花釉裏紅牡丹番蓮紋梅瓶
清 雍正 青花釉裏紅纏枝蓮紋玉壺春瓶
像幾幅圖畫得那樣藍和紅都很漂亮，簡直是不可能完成的任務。在釉裏紅誕生之後的數百年間，也隻有在乾隆時期，才燒製出少量這種青花與釉裏紅都堪稱完美的瓷器。
還要特別說明一點，釉裏紅容易流動，畫上去幹幹淨淨的線，燒出來，可能就模糊了。所以釉裏紅一般做塊麵的裝飾，就像圖B-5-1、圖B-5-2那樣，比較少用來刻畫細節，因為那樣更是難上加難。而圖B-5-4卻是用釉裏紅畫線，所以你就知道，那其實是難度最高的一件。當然，圖B-5-5也是這樣，不但線條清晰，還用了點工。隻不過它是單純的釉裏紅，沒有青花。
以上種種，讓我們得以知曉這種裝飾燒造的難度，了解它是人類古代陶瓷燒造史上最了不起的成就之一，同時，因為技術的難度，又造成了種種豐富而難以捉摸的美。所以，如果僅僅隻是一句簡簡單單的“好看”，那真是大大低估了它的價值。